Nicole es una amante de las plantas y las acuarelas, algo que queda absolutamente reflejado en su hermoso trabajo. Tiene una conexión especial con la naturaleza desde muy pequeña, ya que toda su infancia la vivió en el campo, rodeada de árboles, plantas, flores y animales. Es por esto que con su obra busca hacer una oda a la naturaleza, pero siempre entregando un mensaje ligado a lo social, como la preservación de las especies, el feminismo, el antirracismo o el cuidado del medio ambiente, lo que da un toque personal y sello especial a su trabajo, transformándose en una creativa totalmente inspiradora.
En esta entrevista conversamos sobre su proceso creativo y lo que ha generado en ella dedicarse a ilustrar inspirándose en la naturaleza. Te invito a leer la entrevista a continuación, para que la puedas conocer un poco más y llenarte de inspiración:
¿Qué es para ti la creatividad?
Cuando era chica no me sentía creativa. Era muy buena dibujando, pero copiaba fotografías u obras de otros artistas y dibujaba animé, pero nunca creaba algo propio. Mi papá, que dibuja comics, me decía “está súper lindo, pero inventa algo tú. No dibujes a Sailor Moon, inventa tú una nueva heroína” y yo sentía que no era capaz de hacerlo.
Y en el colegio me iba súper bien, sobre todo en matemáticas. Era muy buena con los números, entonces me decían que yo era cuadrada, así que esos comentarios me llevaron a creer que yo no tenía creatividad.
Y por esto también, decidí estudiar arquitectura, porque iba con mis habilidades, pero tenía una parte artística que me llamaba la atención. Al estudiar esta carrera, los profesores decían siempre que todo ya está creado, que nadie va a inventar la rueda nuevamente. Entonces esto me abrió un poco a pensar, que ser creativo no es inventar algo totalmente nuevo.
Ahí me di cuenta que podía seguir reproduciendo, pero que podía reproducir una flor, una planta, y diferentes elementos, pero que después yo podía mezclarlos a mi manera, creando una especie de collage, dando como resultado una creación propia. Ésta es generalmente la forma en la que trabajo ahora.
Entonces ahí entendí que la composición, la creación de mi propio “collage” es algo creativo, porque es algo que viene de mí.
Así que ya saliendo de la universidad, me encontré con la ilustración y comencé recién a explorar más mi creatividad, creo que a los 27 años.
Siento que cuando somos chicos nos condicionan mucho en cuanto a este tema. Nos ponen muchos límites. Nos dicen que para ser creativos debemos cumplir con ciertas cosas que no necesariamente son ciertas. Y yo creo que todos los niños son creativos, y si te dicen de niño que no lo eres, eso te deja una marca.
Y también hay una creencia que ser creativo sólo es para las artes, pero no es así. La creatividad está en todo y todos podemos aplicarla de diferentes maneras. No es necesario pintar para ser creativo. Todos tenemos un poder para crear.
Por ejemplo, Marie Kondo creó un método de organización súper creativo y por eso le ha ido tan bien, y no se dedica a dibujar, pintar o crear universos nuevos.
Cuando somos chicos nos clasifican mucho, yo me creí esa clasificación y la acepté.
Pero yo creo que para ser creativos es mejor no creer en las etiquetas y aceptar tus atributos, para trabajar con ellos.
Para mí la creatividad es aceptar. Aceptar lo que te gusta. Y siento que la creatividad nace en el goce y en la aceptación.
¿Qué significa para ti el proceso creativo? ¿qué parte de este proceso disfrutas más?
El proceso creativo es para mí lo más entretenido. Es cuando más disfruto. Me ha pasado mucho que el resultado final de alguna obra no es lo que más me gusta, si no que me gusta más una parte del proceso...y a veces una parte del proceso de mi ilustración, queda como la obra final.
Siento que es súper importante poner atención a todo el proceso, porque puedes aprender mucho sobre ti mismo y mejorar si observas todos los pasos de tu propio proceso.
Me encanta ir aprendiendo e identificando las formas de las plantas o flores, o identificar qué tipo de rosa estoy dibujando, o reconocer que cuando un ave se ve más gordita, puede significar que se está protegiendo del frío. Me parece fascinante la botánica y la ilustración naturalista para estudiarla. Y conocer mi proceso me llevó a estudiar sobre eso.
Pero la parte que más disfruto de todo el proceso es sin duda el momento de pintar, porque es la parte del proceso donde me siento con más confianza.
Hace 2 años atrás no habría dicho lo mismo, porque estaba aprendiendo, pero ahora que ya llevo un montón de trabajo y práctica, me siento empoderada con la acuarela.
¿Qué has descubierto de ti misma a partir de tu proceso creativo?
Desde que estudié arquitectura me di cuenta que soy súper dispersa. Pero ahora en vez de verlo como algo negativo, he aprendido a tomarlo a favor para mí.
Por ejemplo, trabajo en muchas ilustraciones al mismo tiempo, porque no puedo estar enfocada sólo en una. O muchas veces estoy trabajando en una ilustración, y a la hora me aburro y voy a lavar los platos o regar mis plantas, y después vuelvo a pintar.
Entonces ahora sé que no me puedo organizar para hacer 1 tarea por día, porque igual termino haciendo 3 partes de diferentes proyectos en el mismo día.
Entonces para mí fue importante aceptar que soy dispersa, para organizarme mejor.
Y siento que en la ilustración es súper importante aceptarse disperso si lo eres. Porque de lo contrario, puedes caer en la ansiedad de terminar algo rápido, y así los resultados no siempre van a ser los mejores. Siento que es mejor pintar mientras lo estás disfrutando...y cuando ya quieras dejarlo por ese día, puedes avanzar en otra cosa.
¿Qué has aprendido del proceso de ilustrar inspirándote en la naturaleza?
Pintar inspirándome en la naturaleza, ha cambiado mi forma de vivir. No sólo me ha ayudado a desarrollar mi creatividad, manejar el estrés, y ser más feliz, si no que ha cambiado mi estilo de vida, y de paso también ha motivado a cambiar a los que me rodean.
Dedicarme a esto, me ha llevado a cambiar mi alimentación, motivada por el cuidado del medio ambiente. Soy pescetariana hace un tiempo y mi idea es llegar a ser vegetariana. Y ha sido algo difícil para mí, porque me gusta la carne, pero trabajar pintando y creando a partir de la naturaleza, me ha llevado a tomar consciencia y he ido incorporando varios cambios de hábitos como el reciclaje, evitar la mayor cantidad de residuos, el compostaje, entre otras cosas. Y esto también ha llevado a que cambie la forma de vida de mi pareja y que mis papás y hermanas comiencen a tomar conciencia.
Y siento que todo esto se ha dado por el camino de la ilustración. Porque desde ilustrar naturaleza, he pasado a leer más sobre ella, ver documentales, escuchar podcast del tema… y me ha llevado a replantear mi estilo de vida. Y es un proceso en el que aún estoy. Por ejemplo nuestro próximo proyecto con Simón, mi pareja, es armar un huerto en nuestro departamento.
Siento que no se puede ilustrar flores, plantas y animales sin involucrarte. Siento que dibujar y pintar naturaleza, te lleva a ser mejor persona y eso es súper bonito.
¿Cómo fue tu proceso de aprendizaje con la acuarela?
Al principio no lo hacía bien, pero yo siempre lo disfruté. Al comienzo improvisaba mucho y ahora veo esas acuarelas, y veo un montón de errores técnicos. Pero siempre lo pasé bien pintando. Y siento que hay que tener harto respeto con la técnica y contigo mismo, y no compararse con personas que llevan años de práctica si estás recién comenzando. A mí igual me pasa a veces que veo las ilustraciones botánicas de ciertas ilustradoras naturalistas que hacen un trabajo realmente hermoso y perfecto, y pienso que para mí es imposible llegar a eso. Pero luego me recuerdo a mí misma que si yo llevo 4 años pintando, no me puedo comparar con alguien que lleva 10 ó 15 años. Y lo mismo pasa con mis alumnos, que veo que llevan 3 semanas pintando y se comparan con alguien que lleva años, y en esa comparación sienten que lo están haciendo mal. Pero es importante darse crédito y entender que es un proceso y respetar el trabajo que hay detrás de quien pinta con una gran técnica...porque llegar a eso significa años de trabajo.
¿Cómo ha sido la experiencia de hacer clases?
Ha significado para mí mucho aprendizaje y sorprenderme, porque nunca me vi a mí misma como profesora. Me ha gustado mucho, porque siento que es una instancia donde puedes conocer bien a tus alumnos, puedes inspirarlos y guiarlos. Pero también siento que es una responsabilidad tremenda, porque mi idea es romper con esa sensación de frustración que muchos tienen desde el colegio. Y lo que busco hacer es que los alumnos disfruten el proceso, aún cuando la acuarela puede ser una técnica compleja.
Y también pasa mucho que algunos llegan a las clases como una forma de distraerse de algún problema, y pasas a ser un poco como psicóloga. No sólo aprenden acuarela, si no que también trabajan la autoestima, la confianza y otros temas.
Y también he aprendido a no hacer juicios con la primera impresión, porque a veces hay personas que se ven súper serias pintando, o con cara de aburridas, pero después te das cuenta que son los más motivados.
Además siento que haciendo clases se da una energía que te ayuda a ti como profe, a sentir más confianza en ti, y al mismo tiempo te ayuda a crecer como persona, porque aprendes a mejorar en tu forma de relacionarte con los alumnos, para que ellos puedan aprender mejor. Así que haciendo clases, siento que me he nutrido mucho.
¿Qué crees que les cuesta más a tus alumnos aprender?
Creo que principalmente, les cuesta manejar la frustración. Por eso yo creo que es súper bueno comenzar pintando para ti mismo y no para otros. Con esto me refiero a pintar sin pensar en lo que van a decir tus compañeros, el profesor o tus cercanos, si no que pintar para ti. Y cuando ya tomes confianza quizá puedes hacer algo para otros.
Cuando tu comienzas a crear para que otros lo admiren, ahí lo puedes pasar mal y sentir frustración. Pero si creas para ti, para aprender, para tener una nueva experiencia, para admirar tú mismo tu propio trabajo, lo disfrutas más. Si tú lo pasas bien en el proceso, cuando lo enmarques y lo pongas en tu pieza, siempre te vas a acordar de lo bien que lo pasaste creando. Es mejor crear al comienzo, pensando que es un regalo para ti.
Y para finalizar: ¿qué obstáculos importantes has tenido que superar para dedicarte a lo que haces hoy?
Creo que el mayor obstáculo ha sido sentir que de alguna manera “deseché” los 6 años que estudié arquitectura (y que aún sigo pagando) más el tiempo que trabajé en eso, para dedicarme a la ilustración.
Romper eso fue duro para mí, porque fue un golpe al ego. Sentir que tomé decisiones poco conscientes de lo que yo quería en realidad. Porque siento que me dejé llevar por lo que escuchaba o veía en mi entorno, y porque me iba muy bien en el colegio, entonces sentía que la “excelencia académica” me definía y me validaba ante los demás. Y tenía un plan de estudiar arquitectura, luego estudiar afuera, hacer un magister, un doctorado, trabajar en la universidad, dedicarme a la museografía, etc. Y fue duro darme cuenta que en realidad no quería seguir ese camino que yo pensaba que era mi sueño. Creí de verdad, que mi sueño era ir acumulando logros académicos. Porque siempre me felicitaban cuando era chica, por mis buenas notas y logros académicos, entonces sentía que eso me validaba como persona.
Y cuando me di cuenta que eso no me llenaba y que quería otra cosa, esa validación desapareció. Así que eso fue súper difícil de enfrentar. Pero hoy en día eso se ha transformado en que las personas que me felicitaban por la excelencia académica, ahora me felicitan por la valentía de haber cambiado de rumbo y atreverme a pesar de ser un camino súper incierto para mí. Entonces la validación, se transformó en admiración, y eso es mucho más lindo. Así que esto fue lo más difícil, pero también es de lo que me siento más orgullosa.
Mira acá una muestra de su hermoso trabajo:
Acá te dejo los links de su web y cuenta de Instagram: